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Lago Ness (1996) de John Henderson (por Diego Vinagre Nevado)
Para encontrar las primeras señales de esta leyenda hay que remontarse hacia el año 565 D.C cuando el poeta irlandés San Columbano arribará al lago Ness y conocerá de boca de los lugareños de la existencia de un monstruo marino que había mordido a un hombre mientras nadaba. Con el transcurso de los siglos se hablará de la existencia de un espíritu maligno de las aguas en forma de caballo, denominado Kelpie viviendo en el lago. Posteriormente relatos nos hablan de una isla flotante que aparecía y desaparecía, hasta llegar a su momento álgido del siglo XX, donde nace la figura del Monstruo del Lago Ness, familiarmente llamado Nessie, quizás el "misterio" más difundido por la criptozoología, aunque la mayoría de los científicos y otros expertos afirman que las pruebas que apoyan la existencia de Nessie no son convincentes, y consideran dichos informes fraudes o identificaciones erróneas de criaturas reales.
El mundo del cine no podía estar ajeno a las posibilidades que el Lago Ness le podía ofrecer. Billy Wilder en La vida privada de Sherlock Holmes (1970) rodó los exteriores de la película en este sitio dotándolo incluso de un monstruo marino con corazón mecánico y forma de submarino. Más recientemente encontramos Mi Monstruo y yo (The Water Horse: Legend of the Deep) de Jay Russell, que convierte la leyenda del lago Ness en un cuento encantador protagonizado por un niño escocés, Angus MacMorrow cuya relación con una cría de plesiosaurio, va a convertir su vida en una mágica aventura.
La película que nos ocupa Lago Ness (1995), John Henderson narra la historia de un profesor universitario (Ted Danson) al que se le encomienda la tarea de demostrar la inexistencia de monstruos en el lago, en un intento de recuperar su prestigio perdido en fracasadas investigaciones y su moral hundida por el alcoholismo. Así pues, el tal doctor acude a esos bellísimos parajes para descubrir la verdad, con la ayuda de su casera (Joly Richardson) y de su hija Isabel ( Kirsty Graham) pese a las dificultades que interpone en su camino el personaje interpretado por Ian Holm un viejo y misterioso guardia de pesca, y la acabará descifrando, pero de una manera distinta a la que podía esperar como lo podemos apreciar en la parte final de la película.
La película en muchos aspectos resulta muy predecible y la búsqueda del monstruo, lo que podíamos considerar la parte de aventura de la película, muy mediocre, con situaciones muy repetitivas, sin ninguna emoción, que afortunadamente queda relegada en un segundo lugar reemplazada por las relaciones humanas, y la búsqueda de los misterios de las llanuras abisales del alma de las personas en perfecta conexión con el de las profundidades marinas, habitat del monstruo, donde la bondad de las personas es el mayor descubrimiento que podemos ofrecer al mundo.
En un primer momento, el Dr Dempsey llega con un objetivo claro, recuperar su honor perdido, y para ello tiene que demostrar la inexistencia de esa criatura fantástica, y romper con el dudoso título que porta dentro de su equipaje de fracasado cazador de monstruos, corroborado incluso por la casera, cuando le pregunta si este es su oficio. Cuando piensa que ha logrado su objetivo, encuentra una foto del anterior investigador que muestra una aleta de un ser extraño y esto le lleva a una realidad distinta: su recuperación definitiva como persona sería demostrar que algo misterioso puede encontrarse.
Allí surge las dificultades a la hora de emprender su labor; en primer lugar con el misterioso alguacil del lago que va a hacer todo lo posible, incluso provocando un accidente para sabotear la búsqueda de la verdad y salvaguardar todo lo que representa, invocando a los celtas y a sus 1400 años de historia, donde se mezclan la tradición y las raíces de sus antepasados que nunca podrá cambiar ni vencer el investigador con todos sus equipos técnicos modernos y nocivos.
El personaje de la pequeña druida representa la fantasía y la magia que todos quisiéramos tener y las ilusiones que nos queda por descubrir, y que ella quiere mostrárselas al doctor, llevándolo a las oquedades donde habitan los plesiosarius. Él traiciona su confianza cuando a la hora de contemplarlos en la cueva, realiza unas fotografías que provoca que los animales huyan. El reproche doloroso de la niña diciéndole que no van a volver y comprender que sus sueños infantiles han quedado rotos, junto a la conversación mantenida con el alguacil en el tren, le permite descubrir que la fama y el prestigio no son nada comparados con lo que puede perder: el amor, recién encontrado en su casera, el cariño que la niña constantemente le muestra, y el respeto hacia algo más grande que nuestro propio egoísmo, que en este caso es el simbolismo del lugar que tiene que convertirse en su hogar.
El homenaje más grande a todo ello será en el momento de la presentación de su descubrimiento en el marco incomparable del Museo de Historia Natural de Londres, donde va a mostrar una diapositiva borrosa y el dibujo de la niña del duendecillo del lago. El colofón final de la película, con la bella música de Trevor Jones que evoca los bellos parajes de Escocia y la imagen de los animales en el fondo del lago, con la voz de Rod Stewart y su canción Rhythm of my heart, supone un canto a la libertad y a los valores que siguen conservándose.
Como epílogo este resumen del precioso cuento de Oscar Wilde El hombre que contaba historias que guarda una gran relación con el mensaje de la película:
” Había un hombre muy querido en su pueblo, porque contaba historias, le preguntaban todos los días ¿ que has visto hoy ? y el respondía : he visto en el bosque un fauno que tocaba la flauta y que obligaba a danzar a un coro de silvanos y en la orilla del mar tres sirenas que peinaban sus verdes cabellos con un peine de oro y así todos los días.
Una mañana al dejar su pueblo como todos los días, al llegar a la orilla del mar vio tres sirenas, y a llegar al bosque vio a un fauno y a un corro de silvanos. Al llegar la noche, cuando regresó al pueblo, le preguntaron.
¿ qué has visto hoy?
Él respondió: no he visto nada.
Más crítica de Diego Vinagre Nevado en:
http://www.eldespotricadorcinefilo.com/diego-vinagre-nevado.html
Españoladas (2010) por El Despotricador Cinéfilo
Hace ya bastantes años me enfrasqué en una conversación (¿o acaso fue una discusión?) con un amigo que no acababa de entender cómo podía tener tantísima audiencia las películas que echaban en el inefable programa “Cine de barrio”. Todas las películas que emitían eran lo peor de lo peor, los ejemplos más humillantes de “españoladas” y un cine de una bajísima calidad, justamente denostado por todo aquel que ame el buen cine. Sin embargo eso no era motivo para que todas ellas tuviesen unos magníficos índices de audiencia.
Y ya por aquel entonces, a pesar de mi gran juventud, tenía clarísima la respuesta, pues no hacía falta ver muchas de esas “españoladas” para saber cuál es el secreto de su éxito imperecedero: los excelentes actores que salen en ellas.
Si algo demuestra el cine es que con unos buenos cómicos (y este país está sobrado de ellos, o al menos lo estaba) se puede salvar cualquier película, aunque su guión sea chabacano, vulgar o estúpido. Da igual, lo que divierte a la gente son los actores, verlos actuar, verlos repetir (por enésima vez) el mismo numerito de siempre y, sobre todo, que nuevamente les hagan desternillarse sin parar.
Por eso dichas películas se pueden ver una y otra vez hasta la extenuación, ya que son tan banales y simplonas que resultan muy efectivas, divierten sin parar, lo de menos es el argumento (muchas de ellas ni lo tienen), pero ¿quién puede resistirse a echarse unas carcajadas con López Vázquez, Landa, Fernan-Gómez, Paco Martínez Soria, Tony Leblanc o Pepe Sacristán? Por supuesto que los auténticos cinéfilos huyen despavoridos de este tipo de cine (y yo el primero), pero es un cine sano y necesario para que la gente se ría y pase un rato divertido.
Por ello, es sintomático que cada vez que fallece alguna figura representativa de este tipo de cine (Antonio Ozores es un caso reciente) a la gente le afecte, le apene, porque en el fondo lo que más agradecen los seres humanos es que, en algún momento, les hayan hecho reír. Cuando un cómico te hace reír se convierte en alguien cercano, entrañable y se le quiere, y más si se tiene tantísimo talento.
¿O es que acaso alguien duda a estas alturas de que si todo esos actorazos hubiesen nacido en Estados Unidos no hubiesen ganado el Oscar?, y bueno, si hablamos ya de pesos pesados como López Vázquez, Landa o Pepe Isbert entonces no hay suficientes Oscars en el mundo para recompensar su inmenso talento. Su desgracia fue nacer en un país en donde para sobrevivir, lamentablemente, había que hacer “españoladas”. Por tanto, si la única manera de disfrutar de su gran talento es con dichas “españoladas” pues bienvenidas sean.
Y ya por aquel entonces, a pesar de mi gran juventud, tenía clarísima la respuesta, pues no hacía falta ver muchas de esas “españoladas” para saber cuál es el secreto de su éxito imperecedero: los excelentes actores que salen en ellas.
Si algo demuestra el cine es que con unos buenos cómicos (y este país está sobrado de ellos, o al menos lo estaba) se puede salvar cualquier película, aunque su guión sea chabacano, vulgar o estúpido. Da igual, lo que divierte a la gente son los actores, verlos actuar, verlos repetir (por enésima vez) el mismo numerito de siempre y, sobre todo, que nuevamente les hagan desternillarse sin parar.
Por eso dichas películas se pueden ver una y otra vez hasta la extenuación, ya que son tan banales y simplonas que resultan muy efectivas, divierten sin parar, lo de menos es el argumento (muchas de ellas ni lo tienen), pero ¿quién puede resistirse a echarse unas carcajadas con López Vázquez, Landa, Fernan-Gómez, Paco Martínez Soria, Tony Leblanc o Pepe Sacristán? Por supuesto que los auténticos cinéfilos huyen despavoridos de este tipo de cine (y yo el primero), pero es un cine sano y necesario para que la gente se ría y pase un rato divertido.
Por ello, es sintomático que cada vez que fallece alguna figura representativa de este tipo de cine (Antonio Ozores es un caso reciente) a la gente le afecte, le apene, porque en el fondo lo que más agradecen los seres humanos es que, en algún momento, les hayan hecho reír. Cuando un cómico te hace reír se convierte en alguien cercano, entrañable y se le quiere, y más si se tiene tantísimo talento.
¿O es que acaso alguien duda a estas alturas de que si todo esos actorazos hubiesen nacido en Estados Unidos no hubiesen ganado el Oscar?, y bueno, si hablamos ya de pesos pesados como López Vázquez, Landa o Pepe Isbert entonces no hay suficientes Oscars en el mundo para recompensar su inmenso talento. Su desgracia fue nacer en un país en donde para sobrevivir, lamentablemente, había que hacer “españoladas”. Por tanto, si la única manera de disfrutar de su gran talento es con dichas “españoladas” pues bienvenidas sean.
La conversación (1974) por Vircenguetorix
Dicen que las películas no cambian, pero nosotros sí. Como regla general estoy totalmente de acuerdo. La vida de un hombre es una continua prueba y ensayo diario sobre cuestiones y preferencias que vamos modificando casi sin darnos cuenta.
¿Cuántas películas si las viésemos de nuevo cambiaríamos nuestra apreciación y juicio sobre ellas? Me parece que un porcentaje muy elevado.
A mí me ha pasado con La conversación. La vi en el cine hace algunos años en versión original y recuerdo que no me entusiasmo precisamente, sin embargo la he vuelto a ver –curiosamente doblada- hace unas semanas y me ha parecido mucho mejor.
Como intriga no es gran cosa, y su ritmo por muchas vueltas que le demos no dejar de ser excesivamente lento en muchos tramos, no se necesitaban casi dos horas ni mucho menos, pero lo realmente soberbio es su retrato intimista sobre la soledad, la incomunicación, el remordimiento y la sospecha. Es complicado hacerlo mejor de lo que lo hace Coppola en esta pequeña joya de película, un tanto irregular pero inolvidable.
La mayor parte del mérito es de Gene Hackman, en una de sus cinco mejores interpretaciones de siempre, lo cuál son palabras mayores. Por cierto, me encanta esa gabardina-chubasquero verde que lleva. ¿Alguien sabe donde se puede comprar?
Es una película para degustar tranquilo en una tarde-noche de vacaciones con copa y puro y el corazón con braquicardia, pero abstenerse de verla si venimos irritados y agobiados del trabajo, nuestros biorritmos serán muy distintos de los que exige La conversación que es introspección zen.
Sobrellevando el cine europeo, Parte I (2009) por El Despotricador Cinéfilo
Hace poco me enfrasqué en una conversación (por no llamarlo discusión) con mi buen amigo Fran sobre un tema que, contra toda mi voluntad, vuelve recurrentemente en cualquier conversación cinéfila: el cine americano contra el cine europeo. Y, como tantas otras veces, la discusión/conversación no dejó conforme a ninguna de las dos partes: suele ocurrir con opiniones tan opuestas sobre un mismo tema (otro buen ejemplo son las eternas e infértiles discusiones entre los defensores del doblaje y los de la versión original).
Es, sin duda, un tema espinoso, y siempre habrá conflictos entre los que defienden a ultranza el cine americano, una inmensa mayoría (por algo será), y los que sienten especial debilidad por el cine europeo. Después de tantos años de amor cinéfilo hacia cualquier clase de cine, yo estoy convencido, más que nunca, de que el cine americano fue, es y siempre será el mejor cine que se hará en todo el planeta. ¿Quién soy yo para pontificar sobre algo de forma tan tajante?, pues soy alguien que se ha visto probablemente más cine europeo del que muchas personas jamás verán en su vida, y que, por lo tanto, habla con conocimiento de causa.
Por supuesto que existen cientos de joyas y Obras Maestras maravillosas tanto en el cine europeo como en el asiático o el sudamericano, y yo, afortunadamente, me he visto la mayoría de ellas; pero eso no justifica el altísimo porcentaje de cine infumable que suele parirse en dichos países ni cómo los pseudointelectuales más radicales lo defienden, cuando dichos films atentan y violan el mandamiento más sagrado de cualquier película: nunca aburrir.
Tendría que relatar muchísimas, incluso incontables, anécdotas sobre el cine europeo; por ello, hoy, en este primer capítulo de esta serie de artículos solo me centraré en dos anécdotas muy simpáticas que vivimos principalmente mi cinéfilo/informático amigo Antonio Plaza y yo a principios de la década de los 90, cuando éramos dos tiernos cinéfilos de 18 ó 19 años. Fue durante los maravillosos ciclos que programaron las Clavellinas, que tanto aportaron a la cultura cinéfila cacereña de su época.
Me acuerdo perfectamente de que llevábamos cerca de un año viendo cine europeo sin parar, y un buen día, sorprendentemente, pusieron una película americana de los años 40. Se trataba de un policiaco de serie B muy malo, del que solo recuerdo que se bebía mucho café; pero la reacción fue unánime: a pesar de ser un film cutre de serie B, todos salimos encantados del cine, comentando eufóricamente la película, recordando escenas, habiéndola asimilado y, sobre todo, habiéndola disfrutado. Es decir, era cine y no arte europeo solo apto para determinados y selectivos paladares.
Otra divertida (aunque patética) anécdota es la que sucedió en cierta ocasión, cuando invitaron al mismísimo director de la película belga que proyectaban, y se sentó justo a nuestro lado en la primera fila. Dicho film belga era tan soporíferamente aburrido que a lo largo del metraje la gente fue huyendo de la sala en total desbandada, de escándalo. ¿Quién quedó en la sala? Pues solo los que estábamos en la primera fila, que, por vergüenza, al tener al director al lado, no nos movimos.
Conclusión: ¿Hay cine europeo fantástico y genial con algunas Obras Maestras muy superiores a las del americano? Pues claro que sí, cientos de ellas, pero es un porcentaje tan mínimo que apenas destaca entre la morralla sobrevalorada que nos suele llegar.
Es, sin duda, un tema espinoso, y siempre habrá conflictos entre los que defienden a ultranza el cine americano, una inmensa mayoría (por algo será), y los que sienten especial debilidad por el cine europeo. Después de tantos años de amor cinéfilo hacia cualquier clase de cine, yo estoy convencido, más que nunca, de que el cine americano fue, es y siempre será el mejor cine que se hará en todo el planeta. ¿Quién soy yo para pontificar sobre algo de forma tan tajante?, pues soy alguien que se ha visto probablemente más cine europeo del que muchas personas jamás verán en su vida, y que, por lo tanto, habla con conocimiento de causa.
Por supuesto que existen cientos de joyas y Obras Maestras maravillosas tanto en el cine europeo como en el asiático o el sudamericano, y yo, afortunadamente, me he visto la mayoría de ellas; pero eso no justifica el altísimo porcentaje de cine infumable que suele parirse en dichos países ni cómo los pseudointelectuales más radicales lo defienden, cuando dichos films atentan y violan el mandamiento más sagrado de cualquier película: nunca aburrir.
Tendría que relatar muchísimas, incluso incontables, anécdotas sobre el cine europeo; por ello, hoy, en este primer capítulo de esta serie de artículos solo me centraré en dos anécdotas muy simpáticas que vivimos principalmente mi cinéfilo/informático amigo Antonio Plaza y yo a principios de la década de los 90, cuando éramos dos tiernos cinéfilos de 18 ó 19 años. Fue durante los maravillosos ciclos que programaron las Clavellinas, que tanto aportaron a la cultura cinéfila cacereña de su época.
Me acuerdo perfectamente de que llevábamos cerca de un año viendo cine europeo sin parar, y un buen día, sorprendentemente, pusieron una película americana de los años 40. Se trataba de un policiaco de serie B muy malo, del que solo recuerdo que se bebía mucho café; pero la reacción fue unánime: a pesar de ser un film cutre de serie B, todos salimos encantados del cine, comentando eufóricamente la película, recordando escenas, habiéndola asimilado y, sobre todo, habiéndola disfrutado. Es decir, era cine y no arte europeo solo apto para determinados y selectivos paladares.
Otra divertida (aunque patética) anécdota es la que sucedió en cierta ocasión, cuando invitaron al mismísimo director de la película belga que proyectaban, y se sentó justo a nuestro lado en la primera fila. Dicho film belga era tan soporíferamente aburrido que a lo largo del metraje la gente fue huyendo de la sala en total desbandada, de escándalo. ¿Quién quedó en la sala? Pues solo los que estábamos en la primera fila, que, por vergüenza, al tener al director al lado, no nos movimos.
Conclusión: ¿Hay cine europeo fantástico y genial con algunas Obras Maestras muy superiores a las del americano? Pues claro que sí, cientos de ellas, pero es un porcentaje tan mínimo que apenas destaca entre la morralla sobrevalorada que nos suele llegar.
Entre copas (2004) por José Luis Martínez Orea
Creo que es la quinta vez que veo Entre copas, película sobre vino, concretamente de la cosecha de 2004. La uno en el recuerdo de vino y cine a la lista de Campanadas a medianoche, Comer, beber, amar, Días de vino y rosas, Días sin huella, La grande bouffe, Las uvas de la ira, La leyenda del santo bebedor, Providence, Tierra, Un buen año, Un paseo por las nubes.Y además, entre otras, Entre copas.
El título de la distribución podría haber sido, en vez de Entre copas, Entre vinos o Entre amigos o cualquier otro, ya que el Sideways del original alude al carácter de los protagonistas, su fracaso profesional y personal, su deriva amorosa, el andar tocados del ala, al garete, escorados como el Titanic después de lo del iceberg. Forzando un poco más la traducción, podría haber sido perfectamente Entre sopas.
Creo que es la quinta vez que veo la película y cada vez me he preguntado lo mismo: ¿de qué trata en realidad esta película que aparentemente sólo habla de vino? Y, ya se sabe, que, cuando uno se hace este tipo de preguntas, es porque se trata de más cosas de lo que parece, se está hablando de varias cosas a la vez.
En primer lugar de vinos. ¿Recordáis Días de vinos y de rosas en las que sólo se bebía whisky? no. Aquí sólo se bebe vino. Vine y cine parodiando el dicho de "in vino, veritas", "la verdad a veinticuatro imágenes por segundo". Si en la oscuridad de la bodega el vino madura, así el cine nace con una naturaleza subterránea, fantasmagórica, de iluminar las sombras. No hay más que ver en la copa, al trasluz, la estructura inestable, orgánica, tumultuosa del vino, para estar viendo cine. Y también los pámpanos, las botellas, la luz solar del paisaje californiano, las filas de las vides, ya que los auténticos protagonistas de esta película, casi únicos, son el vino y el cine.
Se parte de la idea de que la ebriedad es una condición fisiológica del arte. El don de la ebriedad de Claudio Rodríguez: "La más honda verdad es la alegría". Elixir que se busca, paraíso artificial, copas y copa. Podría traer a colación a Baudelaire, pero baste la copla del calendario zaragozano: "Bendito sea Noé,/que plantó el primer sarmiento;/a unos quita la sed,/a otros el entendimiento."
Y, al revés, nadie ha explotado tanto la idea de fracaso con el vino como el cine. El licor, medicina que anestesia (películas del Oeste); que sutura las heridas del alma (Maia, la hermosa camarera del restaurante); que hilvana la memoria de los memoriosos (Miles, el tacto de un racimo le evoca, sin decirlo, la carne de su mujer amada y perdida); el que ata los afanes (la pareja de amigos y sus invitadas); el que anuda la vida de los solitarios (prácticamente todos); el que hace que fluya la conversación, las confidencias, el humor, el deseo; el que inhibe desinhibe (se habla de vino por no hablar de sí mismo).Sí, en el vino verdad, alegría y terapia.
Si es cierto que todos los amantes y desengañados del amor en esta película beben, no todos aman el vino en el mismo grado. Miles, buen bebedor, experto catador, bebe más de la cuenta, ama el vino, sabe que el vino forma parte de la vida y es su vida. Jack, simple amigo de Miles y del vino, complaciente bebedor, busca en el vino otras cosas. Maia es la verdadera compañera de Miles, entendida, también ve en el vino toda la vida, intenta a través de él comprender el universo.
La amistad de los que beben, quizás el tema central de la película, ya que el argumento transcurre entre estos dos amigos, Miles y Jack. Entre el escritor que no encuentra editor a su novela mamotreto, y el viejo actor de series televisivas que nadie contrata ya. Entre el abandonado divorciado y el que hace su viaje de soltero antes de casarse. Entre el reconcentrado y pesimista Miles, con su reserva intelectual, su capacidad de análisis y su gran sorna, y el galán en retirada, Jack atolondrado, que es seguramente el que más necesita, robándole incluso tiempo a su donjuanismo, de la amistad. Dos amigos que beben, hablan, callan. De ese enfrentamiento o de esa pugna trata la película.
Y de la pugna del amor. Miles, monógamo divorciado y en perenne fracaso; Jack, mujeriego, con quien sea y como sea (rica, gorda, china), que se resiste a abandonar su soltería monógama: Dos antagonistas cómplices. Miles que no puede olvidar después de dos años a la que cree su mujer única, viaja más que nada para recordarla. Jack, cuyo donjuanismo le hace ponerse en situaciones ridículas (la cartera, el árbol). Son ridículos ambos por sus historias respectivas de amor. Pero también nace el amor en esta película. También el amor, bebiendo, de forma casi misteriosa, llega a esta película. "Porque mejor que el vino son tus amores", decía Salomón. A mí lo que más me gusta de esta película precisamente es la metáfora de hablar de vino cuando hablan de amor; y al revés. En el momento más íntimo Maia pregunta a Miles:¿Y a ti por qué te gusta tanto el Pinot Noir?". La contestación y el diálogo siguientes es una de las mejores definiciones de amor además de una perfecta declaración. Y también un momento sublime cinematográfico, al que asistimos bebidos o embebidos en la pantalla.
Y el viaje. Tiene mucho Entre copas de épica antigua, de héroes o antihéroes que se echaban al mundo a ver. O a beber. También de ridícula pareja cervantina por californianas tierras que no manchegas. Y de las infinitas películas del Oeste, buenas y malas en las que dos cabalgan juntos. Tiene mucho de road movie, película de amor y viaje, de amistad y de paisaje. Se viaja por lugares, viñedos, tierras bodegas, carreteras, moteles, de cata en cata, por las dos o tres cosas por las que se viaja siempre: para cumplir un destino, para la búsqueda o la huida, y también entre tanto, para los brindis infinitos.
Y finalmente no voy hablar de los maravillosos actores (todos),ni de los paisajes, ni de la dudosa elección de las bodegas de origen francés, ni del humor ni de la música, porque al comienzo dije que hablaría sobre "¿de qué trata esta película que aparentemente sólo trata de vino?, pero sí hablaré de cine. Alexander Payne ha logrado en esta película una de las exigencias más profundas de toda poética, decir más con lo que se dice, sin que nada admita ser dicho de ninguna otra manera. La verdad cinematográfica. "La verdad a veinticuatro imágenes por segundo" (Godart). In vino veritas. Con el vino no sólo se ve doble sino el doble. Acaso la metáfora visual de esta película. Creo que es la quinta vez que he visto el doble.
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