A Roma con amor (2012) de Woody Allen (por Aurea García Fernández)

De nuevo Woody Allen nos envía una postal desde su periplo europeo y los forofos del director neoyorkino encantaditos de recibirla. Esta vez nos la envía desde la "ciudad eterna", Roma, con todos sus tópicos a cuestas: "paparazzi", cine, pasta, vespas, óperas, tenores y todo lo demás y lo hace sirviéndose de cuatro historias simultáneas o casi pero que no llegan a confluir tal y como sucede en el "Decamerón" inspiración originaria de la película.

En la primera historia un conocido arquitecto extranjero está en Roma de vacaciones con su mujer y unos amigos cuando paseando en solitario por el barrio del Trastévere es reconocido por un joven arquitecto italiano admirador suyo. Este joven que vive con su novia se va a enamorar perdidamente de una amiga de esta que visita Roma por unos días. El maduro arquitecto le previene reiteradamente porque él ya ha vivido esa historia y sabe muy bien como acaba.

La segunda historia está interpretada por el propio Woody que encarna a un viejo director de escena que ha venido con su mujer a conocer al novio italiano de su hija, naturalmente izquierdista, cuyo padre tiene un pequeño negocio de pompas fúnebres y va a dar lugar al más logrado e hilarante episodio de la película. Por supuesto la esposa del director (maravillosas las cortas intervenciones de Judy Davis) es psiquiatra ya que sabido es que don Woody no da un paso sin un buen psiquiatra al lado.

Roberto Benigni asume el aburrido y vulgar personaje de vida monótona y rutinaria de la tercera historia que una mañana cualquiera sin ton ni son se convierte en "famoso" al que persiguen "paparazzi" y televiseros hasta que focalizan su atención en otro infeliz y Leopoldo Pisanello ha de sufrir el precio de la fama.

Hay una cuarta historia protagonizada por una joven pareja provinciana que llega a Roma en busca de oportunidades laborales y se ve envuelta en una serie de equívocos y dislates y aquí es donde entra nuestra "Pé" más Loren que nunca si no fuera porque su acento español a veces se le escapa sin querer y al señor Allen parece no importarle o bueno no lo percibe pero está estupenda en cualquier caso.

Estas cuatro historias tienen un escenario común: Roma, la cuna de nuestra civilización y de nuestra cultura (¿sabían ustedes que lo primero que hicieron los ciudadanos, o mejor, una loca ciudadana, de Boston(USA), fue crear una escuela en la que se enseñara latín?) pero como decía al principio en ningún momento coinciden siguiendo en esto el esquema del "Decamerón".

La crítica italiana ha masacrado a la susodicha postalita que al parecer no les ha gustado nada de nada !hombre, que tampoco es para ponerse así!. Cierto que hay como pereza, como poco laboreo en estas historias desarrolladas con lo mínimo y repletas de topicazos, pero sin duda muy por encima de la media. Ya sabemos de la capacidad que tiene el neoyorkino para estar continuamente reinventándose contando siempre lo mismo aunque esta vez lo haga a través de cinco personajes diferentes y no solo del que se ha reservado como actor, el del viejo director de óperas que no pierde ocasión de relanzar su carrera.

Las cuatro historias se van enredando hasta el absurdo con un tratamiento del tiempo "sui generis" que a mucha gente desconcierta ofreciéndonos un retablo a ratos barroquizante a ratos surrealista siempre vital y desquiciado como mandan los tópicos y que ha puesto a los italianos de los nervios.

La música me pareció que estaba muy bien manejada pese a ese "Volare" del gran Domenico Modugno con que arranca el film recolmete de los topicazos, aunque esa canción siga siendo maravillosa y "eterna" como la propia ciudad. El "casting" a mi juicio y en general muy acertado.

Para los que no gusten de recibir postales del maestro les advierto que ya anda haciendo gestiones por Alemania. Prevenidos quedan. 

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El decamerón (1971) por Anónima

Toda adaptación cinematográfica es hija de la época en que surgió. Esto es aún más notorio en el caso de El Decamerón, pues la voluntad de Pasolini no es tanto recrear el universo medieval que describe la obra original como crear una reflexión metafórica sobre la Italia de la postguerra, pero re-evocando el pasado.

El Decamerón constituye la primera película del ciclo La Trilogía de la vida (las otras son Los Cuentos de Canterbury, 1972, y Las Mil y una Noches, 1974). Desde su estreno fue objeto de polémica, pues su fidelidad al texto original no es absoluta. Pasolini cambió el marco de Florencia a Nápoles y seleccionó aquellas historias que mejor se adaptaban a sus propósitos, entre los que se hallaba el de mostrar su particular visión del Marxismo y una denuncia de las desigualdades sociales.

Debiera bastar, para gozar de El Decamerón, enfrentarse a él con la pureza del barro, que tanto amó Pasolini. Sin embargo, la película está inscrita en unas coordenadas temporales y geográficas tan precisas que es imprescindible conocer su contexto para comprenderla. Es conveniente, también, cierto ejercicio de documentación o el poseer un bagaje cultural suficiente para entender la complejidad del film, reflejo de la compleja personalidad del Maestro de Bolonia.

La incomprensión de la que fueron objeto las películas del ciclo fílmico, así como su utilización por parte del poder, hicieron que el propio Pasolini las repudiara en su "Abjuración de la Trilogía de la vida".

Pasolini se propone crear un cine poético donde lo pictórico tiene una importancia fundamental y concibe El Decamerón más como un fresco de la sociedad de su época al estilo de Giotto que como una pintura del mundo medieval en su transición al capitalismo. De ahí, que simplifique los fondos, que presente los paisajes dibujados con trazo infantil. Todo para crear un ambiente fantástico, irreal, onírico, en el que se mueve el verdadero protagonista, el alma humana.

Ese Cielo pasoliniano, que se nos figura de atrezzo, no hace sino reflejar la misma voluntad de presentar unas figuras religiosas más cercanas, menos hieráticas, que Giotto en su Virgen entronizada, cuyo rostro refleja, según dicen, una dulzura humana que podría muy bien ser el de cualquier mujer toscana de la época.

Si no sabemos todo esto, puede sorprendernos esa caracterización deficiente o parcial de los personajes, pues muchos de los actores presentan una imagen que no oculta la época a la que pertenecen. Baste citar las grandes patillas de ciertos muchachos, el maquillaje de algunas muchachas (por ejemplo, La Virgen, que podría ser cualquier bella italiana de los años 70), incluso las marcas de bronceado de alguna jovencita, que podrían llevar a creer a muchos que en la Edad Media las chicas tomaban el sol en bikini.

Por otro lado, es preciso comprender el sentido que Pasolini da al cuerpo y al sexo, el cual, como él mismo dice, tiene justificaciones históricas e ideológicas en su obra. Desde el punto de vista de hoy puede parecer superflua la excesiva atención que el objetivo de la cámara presta a tanta bragueta, siempre insinuando bajo la fina tela miembros viriles de grandes dimensiones.

Todo esto, inevitablemente, lo aleja del público mayoritario. Y es que sus películas dejan una sensación extraña en quien se acerca a ellas por primera vez.

Pasolini, como Boccaccio, invita a la profundización, a mirar más allá de la superficie. Sólo así podemos apreciar la grandeza del film.

Todo él esta concebido como el sueño de Giotto-Pasolini. Sabemos desde el principio que la magia del cine nos presenta, en este caso, un sueño ajeno, aunque podemos compartirlo. Y esto también nos puede llevar a equívoco, a interpretar como narcisismo lo que no es sino una mirada en cuclillas del mundo. Pero esto sólo lo aprendemos al final, no sólo del film, sino de la Trilogía, cuando comprendemos que un solo sueño no encierra la verdad, y se nos da un último mensaje: "procura que tu sueño sea más largo que la noche".